Desde las primeras civilizaciones hasta la actualidad, las esculturas más grandes y recordadas del planeta comparten un elemento recurrente: la desnudez. Ya sea en mármol, bronce o piedra, el cuerpo humano sin ropaje ha sido fuente de inspiración y debate para generaciones de artistas, pensadores y público. De las imponentes figuras de dioses y atletas de la antigua Grecia a los monumentales trabajos de Miguel Ángel en el Renacimiento, esta representación ha marcado hitos en la historia del arte y la cultura visual.

Obras como el "David" de Miguel Ángel, el "Portador de la Lanza" de Policleto, la "Afrodita de Cnido" de Praxíteles, y más recientemente creaciones contemporáneas como "Grounded in the Stars" de Thomas J. Price, reflejan la persistencia y transformación de este motivo a lo largo del tiempo. Escultores célebres han encontrado en la anatomía humana un medio para explorar la belleza, el poder, la vulnerabilidad y los valores de su época.

Para los antiguos griegos, la desnudez poseía múltiples significados y funciones. Las estatuas de atletas, dioses, guerreros y héroes reflejaban la importancia del cuerpo atlético y juvenil en la vida pública. Competir desnudo en los Juegos Olímpicos o ejercitarse en los gimnasios era habitual entre los hombres, pero, a diferencia de lo que podría sugerir el arte, no era la norma en todos los espacios ni ante ambos sexos. Al ser un aspecto totalmente común en el arte, mucha gente podría pensar que se trata de una costumbre habitual en la antigua Grecia.

El historiador de arte Jeffrey Hurwit, de la Universidad de Oregón, destaca la ambigüedad y riqueza de sentidos en la desnudez griega: "En el arte antiguo, existen muchos tipos de desnudez que pueden significar cosas muy diversas. A veces son contradictorios". Según su investigación, la práctica podía asociarse tanto al heroísmo y la virtud como a la vulnerabilidad y la derrota. Hurwit añade: "Si puedes ir desnudo a la batalla, tienes que ser muy bueno", subrayando el carácter casi sobrenatural que se atribuía a ciertos personajes representados sin ropa.

El cuerpo desnudo pasó a ser un "disfraz" utilizado por los artistas para asignar roles y transmitir mensajes específicos. La erudita clásica de la Universidad de Chicago, Larissa Bonfante, indica que la desnudez en Grecia debía entenderse "no solo como una falta de vestimenta, sino como un 'disfraz' en sí mismo". Así, se adoptaba en contextos concretos y se convertía en un código visual que distinguía a los protagonistas de la sociedad, ya fueran dioses, atletas o guerreros.

En contraste con otras civilizaciones antiguas, donde podía asociarse con la debilidad o la humillación, los griegos la elevaron a signo de virtud moral, belleza eterna y heroísmo. Los escultores comenzaron a idealizar la forma humana, perfeccionándola para expresar valores positivos como la fuerza, el amor, la victoria y la compasión.

La estatua del "Portador de la Lanza", creada por Policleto hace unos 2.400 años, se considera una de las más importantes en la historia. El autor defendía que "la belleza se lograba mediante la armonía de las partes", y su obra destacó por la simetría y el equilibrio del cuerpo representado, indicó The Conversation.

Estos principios inspiraron numerosas réplicas y adaptaciones, como el retrato del emperador romano Augusto siglos después, quien fue esculpido con la misma complexión atlética y postura "contrapesada", aunque vestido con toga y armadura que marcaban su estatus y función política.

Con el auge de las academias de arte en el siglo XVI, el dibujo y el modelado de cuerpos desnudos a partir de modelos vivos se convirtieron en parte fundamental de la formación de los artistas. El Renacimiento no solo revisó los cánones clásicos, sino que también introdujo innovaciones propias, como el "David" de Miguel Ángel, concluido en 1504. Esta escultura imagina al héroe bíblico desnudo y pensativo, en una postura que difiere de la proporción ideal de Policleto pero subraya la tensión interna y el potencial de acción. El "Cristo Resucitado" de Miguel Ángel representa a Jesús despojado de sus prendas, fusionando la iconografía cristiana con los cánones heroicos de la Antigüedad.

El neoclasicismo, entre mediados del siglo XVIII y principios del XX, vivió un nuevo resurgimiento de esta corriente clásica. Artistas miraron a Grecia y Roma en busca de inspiración, y la "desnudez heroica" reapareció en retratos oficiales y monumentales. El caso de Napoleón Bonaparte, quien en 1802 encargó un retrato escultórico como Marte, dios romano de la guerra, evidencia la vigencia simbólica de estos modelos.

En tiempos recientes, la tradición ha sido tanto continuada como desafiada. Algunos artistas contemporáneos optan por esculpir figuras vestidas y situarlas en poses heroicas, como ocurre en "Grounded in the Stars" de Thomas J. Price, una escultura monumental de 3,6 metros que muestra a una mujer de pie, vestida con ropa de calle y camiseta, pero en actitud y proporción que remiten a los cánones clásicos. En contraste, otros creadores siguen explorando la desnudez como símbolo de perfección, inmortalidad o divinidad, perpetuando una herencia milenaria cuyas raíces se encuentran en los talleres y canteras de la antigua Grecia.

La representación del cuerpo desnudo en la escultura occidental no solo fue un ejercicio estético, sino también un campo de investigación sobre la anatomía y el funcionamiento humano. En la antigua Grecia y durante el Renacimiento, la disciplina se consideraba esencial para lograr esculturas realistas y expresivas. Los artistas, en estrecha relación con científicos y filósofos, observaban minuciosamente el cuerpo, utilizaban modelos vivos y, en algunos casos, realizaban disecciones para entender la estructura muscular, ósea y nerviosa, explicó el medio especializado, Formfluent.

En el Renacimiento, la búsqueda de precisión llevó a una colaboración inédita entre arte y ciencia. El trabajo de los escultores exigía un conocimiento exacto del cuerpo. Este rigor técnico fue tan valorado que los artistas alcanzaron un estatus social equivalente al de los intelectuales y filósofos. La labor creativa dejó de considerarse meramente manual para integrarse en el ámbito de la investigación y la representación veraz de la humanidad.

La aproximación de ambas ciencias también reflejaba valores culturales. Las obras eran vistas como una manifestación de la excelencia, la perfección y la comprensión de la naturaleza humana. La figura desnuda idealizada no solo era un fin en sí misma, sino que transmitía ideales filosóficos y sociales: la belleza, la virtud, la fortaleza y la autenticidad. El arte y la ciencia se unieron así para construir una imagen del ser humano que trascendía lo meramente físico y alcanzaba la esfera de los valores universales, explicaron los expertos.